Odesíláme vaše objednávky do 48h. Více o dopravě

Rated 5 out of 5

Více než 1600 prodaných děl
od roku 2018. Zobrazit reference.

Rated 5 out of 5

1237+ prodaných děl
od roku 2018. Zobrazit reference.

Rated 5 out of 5

Více než 1237 prodaných děl
od roku 2018. Zobrazit reference.

Leonardo: Beatrice d´Este

Jiří Anderle - Leonardo: Beatrice d´Este

Jiří Anderle – Leonardo: Beatrice d´Este

Leonardo: Beatrice d’Este z roku 1988 je dílem, ve kterém se potkávají dva světy vzdálené téměř pět století – renesanční portrétní umění a nezaměnitelná výtvarná imaginace Jiřího Anderle. Nejde přitom o pouhou citaci starého mistra. Anderle si historickou předlohu přivlastňuje, rozkládá ji, opakuje a nechává ji projít časem, jako by před našima očima sledoval několik různých podob jediné lidské tváře.

Výchozím bodem kompozice je Beatrice d’Este, jedna z nejslavnějších žen italské renesance, příslušnice významného rodu d’Este a manželka milánského vévody Ludovica Sforzy. Její podoba je spojována s okruhem umělců působících na milánském dvoře v době Leonarda da Vinci. Anderle však s renesančním portrétem nezachází jako historik umění. Zajímá ho něco jiného – co se stane s lidskou tváří, když ji necháme projít staletími.

Z levé části kompozice vystupuje mladá žena zachycená v přísném renesančním profilu. Účes, šperk, náhrdelník i oděv odkazují ke světu dvorské kultury konce 15. století. Její tvář je klidná, mladá a téměř nehybná. Jenže právě v okamžiku, kdy by klasický portrét skončil, začíná Anderle vyprávět svůj vlastní příběh.

Profil Beatrice se směrem doprava opakuje. Jedna tvář vyrůstá z druhé a postupně se proměňuje. Jemné rysy mladé ženy střídají další podoby, objevují se první známky stáří, tváře se propadají, nosy a brady se zostřují a někdejší renesanční kráska se před našima očima mění v zestárlou lidskou bytost. Poslední profily už působí téměř jako anatomické studie.

Jedna žena. Několik tváří. Jeden lidský život zachycený v jediném okamžiku.

Právě čas patří k velkým tématům Jiřího Anderle. Ve své tvorbě se opakovaně zabývá lidskou existencí, stárnutím, pamětí a proměnou těla. Krása pro něj není neměnným ideálem. Zajímá jej právě její pomíjivost – okamžik, kdy se mladá tvář začíná měnit a člověk si uvědomuje, že čas nelze zastavit.

Proto má setkání Anderle s renesančním portrétem takovou sílu. Renesanční mistr se pokoušel zachovat podobu člověka pro budoucnost. Anderle naopak ukazuje, co s každou lidskou podobou udělá čas.

Zásadní místo má toto dílo také v širším kontextu Anderle tvorby. Již v letech 1982–1983 vytvořil cyklus Dialogy se starými mistry, v němž začal intenzivně pracovat s motivy převzatými z evropských dějin umění. Historické obrazy pro něj nebyly nedotknutelnými ikonami. Vstupoval s nimi do rozhovoru, přetvářel je a prostřednictvím známých tváří otevíral vlastní témata člověka, času a existence.

K odkazu starých mistrů se vracel i v dalších letech a Leonardo: Beatrice d’Este z roku 1988 patří právě do této dlouhodobé linie Anderle tvorby. Jeho fascinace Leonardem navíc pokračovala – v roce 1993 zahájil rozsáhlejší soubor Variace na Leonardovu fresku Poslední večeře. Beatrice tak stojí na zajímavém místě mezi ranými Dialogy se starými mistry a pozdějšími Leonardovskými variacemi.

Mimořádnost nabízeného exempláře však spočívá ještě v něčem jiném.

Nejde pouze o běžný exemplář grafického listu Leonardo: Beatrice d’Este. Nabízená práce je označena 1/1 – varianta s kresbou, tedy jako jediná autorsky dotvořená varianta tohoto konkrétního provedení.

Základem díla je suchá jehla, jedna z technik, v nichž Anderle dosáhl mimořádného mistrovství. Do hotového grafického otisku však autor následně vstoupil vlastní rukou a individuálně jej dokreslil a koloroval. Vzniklo tak dílo stojící na hranici mezi grafikou a originální kresbou.

Právě takové varianty jsou v Anderle tvorbě mimořádně zajímavé. Grafická matrice poskytuje základní kompozici, ale následný zásah autora činí konkrétní list neopakovatelným. Nejde tedy pouze o jedno číslo z nákladu identických otisků. Označení 1/1 zde vyjadřuje jedinou existující variantu s konkrétní autorskou kresbou a kolorováním.

Při bližším pohledu je tento princip na Beatrice nádherně patrný. Jemné barevné akcenty se objevují v obličeji, špercích, oděvu i v okolních liniích. Některé části jsou precizně vykreslené, jiné zůstávají jen naznačeny. Anderle záměrně střídá dokončenost s fragmentem, pevnou konturu s téměř mizející čárou. Také samotný papír jako by byl poškozeným fragmentem starého dokumentu či fresky, která přežila staletí.

Velmi působivý je motiv šperků. Perly kolem krku mladé Beatrice pokračují napříč jednotlivými profily a postupně se rozpadají do samostatných kruhů a linií. To, co na začátku působí jako symbol renesančního bohatství a společenského postavení, se postupně mění v abstraktní stopu. Stejně jako tvář i šperk podléhá času.

Anderle zde rozehrává svůj oblíbený kontrast mezi dokonalostí a rozpadem, krásou a stárnutím, minulostí a přítomností. Beatrice d’Este už dávno nežije, její portrét však přežil staletí. Anderle tuto zachovanou podobu znovu oživuje – a současně ji nechává zestárnout před našima očima.

Na díle je fascinující i jeho technická stránka. Suchá jehla umožňuje vytvořit mimořádně jemnou, sametovou linii a Anderle její možnosti využívá s virtuózní přesností. Od hladké mladé tváře přechází k hustým strukturám zestárlých profilů, od precizního šperku k téměř nehmotným liniím. Individuální kresba a kolorování pak grafický základ ještě dále rozšiřují.

Jedná se o suchou jehlu s autorskou kresbou a ručním kolorováním, označenou 1/1. Dílo je autorem vlastnoručně signováno a datováno. Nejde pouze o grafiku podle Anderle matrice, ale o exemplář, ke kterému se autor znovu vrátil a vlastní rukou jej proměnil v samostatné originální dílo. Rozměr ve výřezu činí 41 × 40 cm, celkový rozměr s rámem je 71 × 62 cm. Práce je adjustována v široké paspartě a elegantním světlém rámu.

Leonardo: Beatrice d’Este představuje Jiřího Anderle v poloze, která je pro jeho tvorbu mimořádně charakteristická: jako brilantního grafika, znalce evropského umění a zároveň autora, který prostřednictvím lidské tváře vypráví o čase a pomíjivosti. Renesanční kráska zde není jen citací minulosti. Anderle jí dovoluje během několika centimetrů papíru prožít celý lidský život.

Dílo je připraveno k prodeji v Galerii TOGA. Pro sběratele Jiřího Anderle jde o výjimečnou možnost získat nejen jeden z jeho působivých dialogů s renesančním uměním, ale především jedinečnou autorskou variantu 1/1, která se svou povahou pohybuje mezi grafickým listem a originální kresbou. Dílo si můžete osobně prohlédnout v galerii na Kladně a pokud Vás osloví, může se stát mimořádnou součástí Vaší sbírky.

Čtyři jezdci Apokalypsy

Tomáš Hřivnáč - Čtyři jezdci Apokalypsy

Tomáš Hřivnáč – Čtyři jezdci Apokalypsy

Čtyři jezdci Apokalypsy – Smrt, Hlad, Válka a Mor – patří k nejmocnějším a nejstarším vizuálním metaforám lidské úzkosti, víry i osudu. Poprvé se objevují v Novém zákoně ve Zjevení svatého Jana jako poslové zkázy seslaní na svět, aby otřásli samotnými základy lidstva. Tento silný biblický motiv se v evropském výtvarném umění objevuje již od středověku – od iluminací až po vrcholná díla Albrechta Dürera. Tomáš Hřivnáč se k tomuto archetypu vrací v grafice z roku 2022 s mistrovstvím, které propojuje tradiční symboliku s výbušnou expresí.

V technice suché jehly, která klade extrémní nároky na přesnost, trpělivost i fyzický kontakt s matricí, patří Tomáš Hřivnáč k absolutní špičce současné české grafiky. Jeho práce v tomto médiu je brilantní ukázkou technické virtuozity i výtvarné síly. Vzniká zde obraz čtveřice jezdců uhánějících vpřed v napětí, která se téměř přelévá do prostoru. Kostlivec s kosou, bojovník s mečem, lučištník s korunou a postava rozhazující váhy – každý z nich je precizně definovaný a přitom součástí divokého pohybu. Temná tonalita, prudké linie a syrová plasticita dávají této kompozici naléhavost i hlubokou estetickou působivost. Náš list má číslo 4/30, což potvrzuje, že jde o velmi limitovaný tisk.

Celkový rozměr listu činí 70 × 90 cm, samotná výtvarná plocha pak zabírá výrazných 58,5 × 79 cm. Jedná se o opravdu monumentální grafické dílo, které v prostoru dominuje nejen svými rozměry, ale především tématem a zpracováním. Dílo je aktuálně nabízeno jako volný list bez rámování – nový majitel si tedy může zvolit adjustaci dle vlastního vkusu, přičemž doporučujeme profesionální rám s hlubokou paspartou, který podtrhne hloubku a dynamiku tisku.

Rádi vás přivítáme osobně v Galerii TOGA – nebo vám tento výjimečný tisk s radostí doručíme až domů. Těšíme se na každého, kdo hledá v umění sílu, přesah i nadčasovost.

Vanitas I – Pomíjivost

Jiří Anderle - Vanitas I - Pomíjivost

Jiří Anderle – Vanitas I – Pomíjivost

Jiří Anderle (*1936) patří k nejuznávanějším českým grafikům současnosti a jeho dílo je již několik desetiletí součástí významných světových sbírek. Ve své tvorbě propojuje mimořádnou technickou virtuozitu s hlubokým zájmem o člověka, jeho psychiku, paměť i existenciální otázky. Právě schopnost vyjádřit složité lidské emoce prostřednictvím klasických grafických technik učinila z Anderleho jednoho z nejvýznamnějších představitelů evropské grafiky druhé poloviny 20. století.

Cyklus Vanitas patří mezi nejdůležitější autorovy práce z osmdesátých let. Samotný název vychází z latinského slova vanitas – pomíjivost – a odkazuje na tradiční výtvarný motiv připomínající křehkost lidského života, plynutí času i nevyhnutelnost proměny. Anderle však tuto klasickou symboliku interpretuje zcela osobitým způsobem. Místo tradičních atributů vytváří obraz složený z lidských tváří, přírodních motivů a jemných metafor, které vybízejí diváka k vlastnímu zamyšlení.

V grafickém listu Vanitas I – Pomíjivost vytváří autor působivý dialog mezi dvěma zdánlivě odlišnými světy. Horní část kompozice ovládá monumentální rozkvetlá růže – odvěký symbol krásy, života i jejich pomíjivosti. Vedle rozkvětu se objevují odkvetlé květy a poupata, připomínající přirozený koloběh zrození, zrání a zániku. Spodní část grafiky tvoří rytmicky řazené lidské profily, jejichž postupná proměna evokuje plynutí času, lidskou zkušenost i proměnlivost identity. Celek působí mimořádně harmonicky a současně v sobě nese tiché napětí mezi krásou okamžiku a vědomím jeho konečnosti.

Pro Anderleho tvorbu je typické mistrovské zvládnutí grafických technik, díky nimž dokáže dosáhnout výjimečně jemných tónových přechodů i bohaté struktury obrazu. Kombinace leptu a suché jehly umožňuje vytvořit kompozici s mimořádnou hloubkou, v níž se jednotlivé vrstvy postupně odhalují při každém dalším pohledu. Právě technická dokonalost patří mezi důvody, proč jsou jeho grafické listy dlouhodobě vyhledávány sběrateli po celém světě.

Nabízené dílo vzniklo v roce 1983 a je provedeno technikou leptu a suché jehly na papíře. Grafika je vlastnoručně signována tužkou vpravo dole a vlevo opatřena názvem Vanitas I – Pomíjivost. Rozměr tiskové plochy činí přibližně 31,5 × 26,7 cm, rozměr ve výřezu 35 × 29 cm a celkový rozměr rámu 61 × 53 cm. Dílo je adjustováno v elegantní světlé paspartě a kvalitním tmavém rámu se zlatou linkou, který podtrhuje jeho kultivovaný výraz. Grafika je ve velmi pěkném sběratelském stavu.

Grafické listy z cyklu Vanitas představují vrcholné období Anderleho tvorby, kdy autor spojil dokonalé zvládnutí klasických grafických technik s mimořádně silnou filozofickou výpovědí. Díla z této série patří k nejvýznamnějším ukázkám české poválečné grafiky a jsou ceněna nejen pro svou výtvarnou kvalitu, ale také pro nadčasové poselství, které zůstává aktuální i po více než čtyřiceti letech od svého vzniku.

Srdečně Vás zveme do Galerie TOGA, kde si můžete dílo Jiřího Anderleho prohlédnout osobně.

Pocta Jerome Klapka Jeromovi

Adolf Born - Pocta Jerome Klapka Jeromovi

Adolf Born – Pocta Jerome Klapka Jeromovi

Adolf Born (1930–2016) patří mezi nejvýznamnější osobnosti českého výtvarného umění druhé poloviny 20. století. Jeho tvorba se pohybovala na pomezí volné grafiky, malby, ilustrace i animovaného filmu. Proslavil se nejen ilustracemi světové literatury, ale především svým jedinečným výtvarným světem, ve kterém se s noblesou prolíná humor, ironie, fantazie i jemná nostalgie. Charakteristické postavy gentlemanů, dam, koček a podivuhodných zvířat vytvářejí poetické příběhy, které diváka baví i po mnoha letech.

Grafický list Pocta Jerome Klapkovi Jeromovi vznikl v roce 1988 pro prestižní edici Lyra Pragensis jako hold anglickému spisovateli Jerome Klapkovi Jeromeovi, autorovi slavného románu Tři muži ve člunu. Born se k britské literatuře a humoru vracel opakovaně a právě zde vytvořil jednu ze svých typických fantaskních kompozic, ve které propojuje svět literatury s vlastní imaginací. Elegantní drožka s nápisem připomínajícím jméno slavného autora, bizarní zvířata, kočky, ptáci i distingovaní gentlemani vytvářejí scénu plnou drobných detailů, symbolů a skrytých narážek. Každý pohled na grafiku odhaluje nový příběh a potvrzuje mimořádnou autorovu schopnost spojit precizní kresbu s inteligentním humorem.

Bornovy lepty patří k vrcholům jeho grafické tvorby. Vynikají mimořádně jemnou kresbou, technickou dokonalostí i množstvím detailů, které nelze ocenit při letmém pohledu. Právě proto jsou jeho autorské tisky dlouhodobě vyhledávané sběrateli české moderní grafiky a představují významnou součást autorova odkazu.

Nabízené dílo je autorským tiskem leptu na papíře z roku 1988. Grafika je signována tužkou vpravo dole a vlevo označena jako autorský tisk. Zachovala se v původní dobové adjustaci s kvalitní textilní paspartou a jednoduchým dřevěným rámem, které velmi dobře odpovídají estetice konce osmdesátých let. Rozměr ve výřezu činí 37 × 27 cm, celkový rozměr rámu je 63 × 50 cm. Dílo je ve velmi pěkném sběratelském stavu.

Grafiky Adolfa Borna patří mezi stálice českého trhu s uměním a díky své nadčasovosti oslovují jak zkušené sběratele, tak milovníky literatury, humoru a fantazijního výtvarného světa. Pocta Jerome Klapkovi Jeromovi představuje reprezentativní ukázku Bornovy tvorby z pozdních osmdesátých let a potěší každého, kdo dokáže ocenit rafinovanou kresbu, kultivovaný humor i množství skrytých detailů.

Srdečně Vás zveme do Galerie TOGA, kde si můžete dílo prohlédnout osobně.

Hlava dívky s hadem

Olbram Zoubek - Hlava dívky s hadem

Olbram Zoubek – Hlava dívky s hadem

Cínový reliéf „Hlava dívky s hadem“ z roku 2008 patří k mimořádně působivým pozdním dílům Olbrama Zoubka, v nichž se naplno projevuje jeho fascinace archetypální symbolikou, spiritualitou a nadčasovou krásou lidské figury. Již při prvním pohledu je zřejmé, že nejde o běžný reliéf — toto dílo vyniká naprosto výjimečnou hloubkou modelace, díky níž hlava dívky vystupuje z podkladu s téměř sochařskou monumentalitou. Na pomezí reliéfu a volné plastiky vzniká objekt s mimořádně silnou prostorovou přítomností.

Dominantou kompozice je ženská tvář se zavřenýma očima, ponořená do vnitřního ticha. Zoubek zde opět mistrně pracuje s redukcí. Nehledá realistický portrét — místo detailu usiluje o podstatu. Jemně abstrahovaná tvář, dlouhý krk a klidné linie ramen nesou typický rukopis autora, který dokázal několika prostými zásahy vyjádřit neobyčejnou emocionální sílu.

Výraz tváře působí meditativně, téměř posvátně. Zavřené oči neznamenají slepotu, ale vnitřní vidění. Dívka jako by nebyla obrácena k okolnímu světu, ale k vlastnímu nitru. Právě v této uzavřenosti vzniká zvláštní napětí mezi křehkostí a silou, tichem a intenzitou.

Nejsilnějším symbolem díla je bezpochyby had obtáčející hlavu dívky, zvýrazněný zářivým zlacením. Had je jedním z nejstarších a nejmnohoznačnějších symbolů lidské civilizace. Může představovat pokušení i poznání, smrt i znovuzrození, nebezpečí i ochranu. V antických i biblických tradicích je zároveň nositelem moudrosti, transformace a vnitřní proměny. Olbram Zoubek ponechává význam otevřený — nevnucuje jediné čtení. Právě v tom spočívá síla jeho umění.

Zlacený had vytváří fascinující kontrast k matnému cínovému povrchu. Těžká, chladná kovová hmota získává díky zlatému akcentu téměř sakrální rozměr. Zlatá zde nepůsobí jako ozdoba, ale jako světlo — jako energie, aura či vnitřní zář postavy. V kombinaci s dramatickou plasticitou reliéfu vzniká mimořádně silný vizuální i emocionální účinek.

Olbram Zoubek patří k nejvýznamnějším osobnostem českého sochařství 20. století. Jeho tvorba je ceněna pro schopnost spojit existenciální křehkost člověka s nadčasovou důstojností a duchovní silou. Právě reliéfy představují intimnější polohu jeho tvorby, v níž mohl vedle figury pracovat i s jemnější symbolickou rovinou.

Rozměr díla činí 35 × 35 cm. Mimořádně potěší také perfektní sběratelský stav, který je u takto plasticky modelovaného reliéfu obzvlášť cenný. Dílo se zachovalo ve výjimečné kondici bez poškození, což ještě podtrhuje jeho sběratelskou atraktivitu.

Cínový reliéf Hlava dívky s hadem patří k výjimečným dílům Olbrama Zoubka, která se na trhu objevují jen zcela sporadicky. Pro citlivost a mimořádnou hodnotu díla preferujeme osobní převzetí v Galerii TOGA, kde si jej můžete prohlédnout v celé jeho prostorové síle. Budeme se těšit na Vaši návštěvu nebo zprávu.

Setkání se zdánlivě milými domorodci

Adolf Born - Setkání se zdánlivě milými domorodci

Adolf Born – Setkání se zdánlivě milými domorodci

Adolf Born dokázal jako málokterý český výtvarník propojit historii, literaturu a fantazii do světa, který je na první pohled rozpoznatelný. Jeho litografie nejsou pouhou ilustrací příběhu – každá z nich vybízí diváka, aby se na chvíli stal objevitelem a vydal se na cestu plnou nadsázky, jemného humoru a nečekaných detailů. Právě díky této schopnosti si Born získal oblibu několika generací milovníků umění i sběratelů.

Litografie Setkání se zdánlivě milými domorodci z roku 2002 patří mezi autorovy půvabné práce inspirované velkými zámořskými objevy. Born s typickou lehkostí převyprávěl historické setkání kapitána Jamese Cooka s obyvateli Sandwichových ostrovů, dnešního Havaje. Místo věrného historického záznamu však vznikla poetická hra s fantazií. Domorodci mají podobu bizarních zvířecích bytostí, mořem připlouvá plachetnice a celý výjev připomíná stránky starého cestopisu, do nichž autor s úsměvem připsal vlastní kapitolu.

Právě schopnost proměnit skutečné historické události ve svět plný laskavé ironie je pro Adolfa Borna typická. Každá postava má svůj osobitý výraz, vlastní charakter i nenápadný humor, který divák objevuje až při delším pozorování. Litografie tak nepůsobí pouze jako výtvarné dílo, ale jako krátký příběh, k němuž se lze znovu a znovu vracet a pokaždé objevit nový detail.

Nabízený list pochází z limitované edice 74/100 a je vlastnoručně podepsán autorem tužkou. Grafika je navíc zasazena do původní knihařské adjustace ve výrazném cihlovém odstínu s bílou paspartou. Právě tento způsob rámování byl na přelomu tisíciletí velmi oblíbený a dnes se s ním setkáváme stále méně. Celek působí autenticky, zachovává atmosféru doby svého vzniku a s litografií vytváří mimořádně harmonickou kompozici. Rozměr rámu činí 56 × 45 cm, samotný výřez pak 44 × 32 cm. Adjustace je ve výborném stavu a je připravena k okamžitému zavěšení.

Tuto litografii jsme měli možnost v Galerii TOGA nabídnout již několikrát a pokaždé si velmi rychle našla svého nového majitele. Není divu – spojuje v sobě vše, co činí Bornovu tvorbu tak výjimečnou: vytříbenou kresbu, vytříbený humor, fantazii i vypravěčský talent, díky němuž jeho díla nestárnou a dokážou potěšit při každém dalším pohledu.

Budeme rádi, když si Setkání se zdánlivě milými domorodci přijdete prohlédnout osobně do Galerie TOGA. Teprve při pohledu zblízka vynikne jemnost litografické kresby, bohatství drobných detailů i krásná původní knihařská adjustace, která z tohoto listu dělá mimořádně působivý sběratelský celek.

Jákob a Támar

Olbram Zoubek - Jákob a Támar

Olbram Zoubek – Jákob a Támar

Velký reliéfní tisk „Jákob a Támar“ vytvořil Olbram Zoubek v roce 1992 jako komorní, avšak mimořádně silné výtvarné zamyšlení nad jedním z dramatických biblických motivů Starého zákona. Právě inspirace antikou, spiritualitou a biblickými příběhy provází Zoubkovu tvorbu po celý život. Umožňovala mu zpracovávat nadčasová témata lidského osudu, viny, spravedlnosti, odpuštění i vykoupení s naprostou uměleckou suverenitou.

Kompozice působí na první pohled velmi střídmě, téměř asketicky, avšak právě v této zdánlivé jednoduchosti se skrývá její mimořádná síla. Dvě stylizované figury vystupují z reliéfního podkladu s typickým Zoubkovým rukopisem – jemně rýhované vertikální linie těl připomínají vrstvení času, paměti i životních zkušeností. Vlevo stojící postava Jákoba se opírá o hůl, pradávný symbol cesty, moudrosti, autority a životní pouti. Napravo klečící Támar působí křehce a zranitelně, avšak nikoli slabě. V jejím gestu je přítomna pokora, vnitřní síla i tiché odhodlání.

Výjimečný je především prostor mezi oběma postavami. Zoubek zde mistrně pracuje s tichem a prázdnotou – právě v tomto zdánlivě nevyplněném prostoru vzniká největší napětí celého díla. Je to prostor nevyřčených slov, emocí a vztahové dynamiky. Divák zde necítí jen biblický příběh, ale univerzální lidskou zkušenost: setkání síly a zranitelnosti, mužského a ženského principu, rozhodnosti a očekávání.

Biblický příběh Jákoba a Támar v sobě nese motivy rodinné složitosti, morálních dilemat i touhy po spravedlnosti. Olbram Zoubek jej však nevypráví doslovně. Nepředkládá ilustraci Bible, ale otevírá prostor pro vlastní interpretaci. Právě proto jeho dílo působí i po desetiletích tak silně – každý si v něm může najít svůj vlastní příběh.

Olbram Zoubek patří k nejvýznamnějším českým sochařům 20. století. Jeho tvorba je nezaměnitelná díky schopnosti propojit křehkost lidského těla s téměř nadpozemskou duchovní monumentalitou. Jeho ikonické figury, často štíhlé, vertikálně modelované a existenciálně silné, se staly jedním z nejvýraznějších podpisů českého moderního sochařství.

Dílo je adjustováno ve staré knihařské adjustaci do textilu, která reliéfnímu tisku dodává mimořádně noblesní a sběratelsky velmi atraktivní výraz. Teplý hnědý textilní podklad v kombinaci s jemnými zlatými linkami vytváří harmonický celek a nádherně podtrhuje meditativní i duchovní atmosféru díla. Tento způsob adjustace byl v minulosti používán u reprezentativních grafik a reliéfů vyšší hodnoty a dnes je ceněn i pro svůj autentický dobový půvab. Rámování zároveň krásně akcentuje plasticitu reliéfu a nechává jemné Zoubkovy linie přirozeně vystoupit do prostoru. Celkový rozměr rámu činí 57 × 53 cm, samotný reliéfní tisk ve výřezu má 37 × 36 cm.

Velký reliéfní tisk Jákob a Támar je právě připraven pro svého nového majitele v Galerii TOGA. Budeme se těšit na Vaši návštěvu nebo zprávu. Dílo Vám rádi bezpečně zašleme s plně pojištěnou přepravou.

Klíčnice Levá

Olbram Zoubek - Klíčnice Levá

Olbram Zoubek – Klíčnice Levá

Velký reliéfní tisk Klíčnice levá patří do ikonického souboru Klíčnic, který Olbram Zoubek vytvořil v roce 1994. Tento cyklus se řadí mezi nejvyhledávanější a sběratelsky nejatraktivnější motivy autorovy grafické tvorby. Klíčnice byly původně vytvořeny jako výtvarný motiv pro Komerční banku ve Spálené ulici v Praze, přičemž jejich symbolika dalece přesahuje původní architektonický kontext.

Klíčnice nejsou jen ženské figury — jsou to tiché strážkyně, nositelky klíče, symbolu přístupu, ochrany a poznání. Právě tato symbolická rovina dodává dílu mimořádnou hloubku. Zoubek v nich propojuje antickou monumentalitu, archetyp ženského principu a svůj nezaměnitelný výtvarný rukopis.

Klíčnice levá je kompozičně sesterským dílem ke Klíčnici pravé. Společně tvoří dokonale vyvážený pár, který funguje téměř jako zrcadlový dialog. Každá z postav má vlastní výraz i energii, ale teprve ve dvojici vynikne plná síla celého konceptu. Právě proto je možnost získat oba tisky současně tak výjimečná.

Na první pohled zaujme typická zoubkovská stylizace ženské figury — protáhlé proporce, jemná modelace těla a ikonické kanelování, které prostupuje celou kompozicí. Tento prvek inspirovaný antikou patří k nejvýraznějším znakům Zoubkovy tvorby. Vertikální linie zde nejen modelují tělo, ale vytvářejí rytmus, pohyb a téměř hudební harmonii.

Nahota figury nepůsobí prvoplánově, ale velmi čistě a vznešeně. Zoubek nikdy nezobrazoval ženské tělo vulgárně — naopak v něm hledal křehkost, důstojnost a archetypální krásu. Klíčnice levá v sobě nese klid, ticho a zvláštní vnitřní sílu.

Stejně jako u Klíčnice pravé hraje důležitou roli i zlacený klíč, který představuje symbol celého cyklu. Právě drobné zlacené akcenty patří k detailům, které při osobním pohledu působí mimořádně silně. V kombinaci s bílým reliéfem a strukturou papíru vzniká noblesní, téměř sochařský efekt.

Tato varianta vyniká také rozměrem. Plný formát papíru 44,5 × 24,5 cm dává reliéfu velkorysý prostor a umožňuje naplno ocenit jemnost struktury i kvalitu tisku. Nabízený exemplář je ve výborné kvalitě, s krásně zachovaným reliéfem a výraznou plasticitou.

Dílo je paspartováno do světlého tónu a zasazeno do elegantního rámu s jemnou zlacenou antickou patinou. Celkový rozměr rámu činí 65 × 43 cm. Rámování výborně podporuje antický charakter díla a podtrhuje jeho sochařskou podstatu.

Velký reliéfní tisk Klíčnice levá nese Zoubkovu signaturu tužkou vpravo dole. K dílu je samozřejmostí certifikát pravosti Galerie TOGA.

Největší výjimečnost této nabídky spočívá v tom, že v Galerii TOGA nabízíme zároveň i Klíčnici pravou. Možnost získat obě Klíčnice jako pár je skutečně vzácná a představuje jedinečnou sběratelskou příležitost. Společně působí naprosto monumentálně a vytvářejí harmonický celek, který na stěně vypadá fantasticky. Klíčnice levá je připravena pro svého nového majitele v Galerii TOGA. Budeme se těšit na Vaši návštěvu.

O. Duše – tělo

Olbram Zoubek - O. Duše - tělo

Olbram Zoubek – O. Duše – tělo

Malý reliéfní tisk Olbrama Zoubka O. Duše – tělo patří k mimořádně silným a hlubokým dílům, která přesahují běžné vnímání výtvarného umění. Už samotný název O. Duše – tělo odkazuje k jednomu z nejzásadnějších lidských témat – ke vztahu fyzické existence a vnitřního světa člověka, k napětí mezi tím, co je viditelné, a tím, co nás ve skutečnosti utváří. A právě zde se toto dílo dotýká jednoho z nejbližších myšlenkových okruhů Václava Havla.

Není náhodou, že při pohledu na reliéf mnohým vytane právě Havel. Olbram Zoubek a Václav Havel byli spojeni nejen osobním přátelstvím, ale i hlubokým respektem a sdílenou zkušeností disentu. Oba stáli na straně svobody, pravdy a osobní odpovědnosti. Zoubkova tvorba byla vždy prostoupena otázkou lidské důstojnosti – a právě v díle O. Duše – tělo tato rovina rezonuje naplno. V subtilní, asketické figuře lze cítit stejnou vnitřní kázeň, pokoru i sílu, která byla tak typická pro Havlovu osobnost.

Postava v malém reliéfním tisku Olbram Zoubek O. Duše – tělo je záměrně redukovaná až na samotnou esenci bytí. Žádná okázalost, žádný zbytečný detail. Jen vertikála lidského těla, jemně modelovaná v ploše papíru, jako tiché svědectví o lidské přítomnosti. Tělo zde není oslavou hmoty, ale schránkou něčeho vyššího. Právě v této jednoduchosti je obrovská síla Zoubkovy práce. Každá nerovnost, každý otisk a každé jemné narušení povrchu připomíná proces vzniku – fyzický dotek autora, jeho gesto, jeho rukopis.

A právě tento konkrétní kus má ještě jednu mimořádnou přednost — naprosto výjimečné luxusní rámování, které celý reliéf posouvá na sběratelsky velmi vysokou úroveň. Celek je adjustován v elegantním rámu o rozměru 58 × 38 cm, kde čistota bílé pasparty vytváří ideální prostor pro samotný reliéf. Výrazný a přitom velmi citlivý zlatý lem pasparty dodává dílu noblesu, světlo a důstojnost. Samotný výřez o rozměru 39 × 19,5 cm díky této adjustaci doslova dýchá a působí až sakrálně. Je to přesně ten typ rámování, který nepřebíjí dílo, ale umí ho pozvednout. A zde se to podařilo dokonale.

Olbram Zoubek byl umělcem, který nikdy netvořil jen formu. Každá jeho figura nesla myšlenku, postoj a vnitřní pravdivost. Malý reliéfní tisk O. Duše – tělo je toho nádherným příkladem. Je komorní svým rozměrem, ale monumentální svým obsahem. Je to dílo, které v sobě spojuje Zoubkovu typickou poetiku, odkaz českého disentu i tichou připomínku přátelství s Václavem Havlem.

Malý reliéfní tisk Olbrama Zoubka O. Duše – tělo je nyní připraven v Galerii TOGA pro svého nového majitele. Rádi Vám jej bezpečně a plně pojištěný doručíme, nebo Vás osobně přivítáme u nás v galerii.

Loučení s ratolestí (negativ)

Olbram Zoubek – Loučení s ratolestí (negativ)

Motiv Loučení s ratolestí patří k nejvyhledávanějším a nejoblíbenějším námětům Olbrama Zoubka. Ratolest se v jeho tvorbě objevuje opakovaně jako symbol života, pokračování, naděje i smíření. Je tichým připomenutím, že lidské příběhy nekončí jedním okamžikem a že i loučení může být začátkem nové cesty. Právě tato nadčasová symbolika oslovuje sběratele již desítky let a činí z motivu ratolesti jeden z nejžádanějších reliéfních tisků, které autor vytvořil.

Reliéfní tisk z roku 2003 zachycuje dvě subtilní figury v okamžiku rozloučení. Mezi nimi vyrůstá ratolest, která propojuje oba světy a dodává celé kompozici mimořádnou sílu. Zoubek nepotřebuje složité detaily ani výrazná gesta. Několika jednoduchými liniemi dokáže vyjádřit emoce, které si každý divák interpretuje po svém. Právě v této střídmosti spočívá výjimečnost jeho tvorby. Dílo nepůsobí okázale, ale svou tichou elegancí dokáže zaujmout i po mnoha letech.

Reliéfní tisk je vytvořen do ručního papíru o plném formátu 45 × 42 cm. Plastický reliéf reaguje na dopadající světlo a během dne se jemně proměňuje. V různých úhlech pohledu vystupují jednotlivé linie i struktura papíru s odlišnou intenzitou, díky čemuž dílo nikdy nepůsobí stejně. Právě tato práce se světlem je jedním z důvodů, proč jsou Zoubkovy reliéfní tisky mezi sběrateli tak ceněné.

Výjimečnost tohoto exempláře však nespočívá pouze v samotném motivu. Velkou předností je také mimořádně kvalitní galerijní adjustace, která posouvá celé dílo o úroveň výše. Reliéfní tisk je zasazen do luxusního hlubokého rámu zlaté barvy s elegantními černými boky o rozměru 62 × 57 cm. Velkorysý prostor kolem listu nechává reliéf doslova dýchat a vytváří dojem, že papír uvnitř rámu volně levituje. Díky hlubokému uložení vyniká plastická struktura ručního papíru i jemné stíny vznikající na reliéfu. Nejde o běžné rámování, ale o pečlivě promyšlenou galerijní prezentaci, která podtrhuje krásu díla a z něj činí skutečnou dominantu interiéru.

Olbram Zoubek patří k nejvýznamnějším českým sochařům 20. století a jeho reliéfní tisky představují dostupnější možnost, jak získat autentické autorovo dílo. Motiv Loučení s ratolestí je navíc dlouhodobě jedním z nejžádanějších a jen zřídka zůstává v nabídce galerií delší dobu. Pokud hledáte reliéfní tisk, který spojuje silný příběh, výjimečný motiv a špičkové galerijní rámování, představuje právě tento exemplář mimořádnou sběratelskou příležitost.

Velmi rádi Vám toto výjimečné dílo představíme osobně v Galerii TOGA, případně jej bezpečně a plně pojištěně doručíme až k Vám.

Sblížení

Olbram Zoubek - Sblížení

Olbram Zoubek – Sblížení

Velký reliéfní tisk „Sblížení“ vytvořil Olbram Zoubek v roce 1997 jako mimořádně citlivé a intimní ztvárnění okamžiku, který každý člověk důvěrně zná, ale jen málokdo jej dokáže vyjádřit tak čistě a silně. Nejde zde o velké gesto ani dramatický příběh. Síla tohoto díla spočívá v jemnosti — v okamžiku těsně před dotykem, před polibkem, před úplným splynutím dvou bytostí.

Právě tato schopnost zachytit hluboce lidské emoce pomocí minimálních prostředků řadí Olbrama Zoubka mezi největší osobnosti českého sochařství. Nepotřeboval detail ani realistický popis. Několika liniemi, jemným reliéfem a dokonale vyváženou kompozicí dokázal vyjádřit to podstatné.

V centru kompozice stojí dvě tváře obrácené k sobě v téměř posvátné blízkosti. Mužská a ženská figura nejsou odděleny ostrou hranicí — naopak jako by se jejich energie již začínala prolínat. Mezi nimi zůstává nepatrný prostor, sotva postřehnutelná mezera, která je však emocionálním těžištěm celého díla. Právě zde vzniká napětí, touha, očekávání i něha.

Zoubek zde mistrně pracuje s tichem. Nejde o vášeň v prvoplánovém smyslu, ale o hlubší formu blízkosti — o porozumění, důvěru a o vzácný moment, kdy dva lidé na chvíli přestanou vnímat okolní svět. Název Sblížení tak neodkazuje pouze k fyzické blízkosti, ale i k vnitřnímu spojení dvou duší.

Typické vertikální struktury ve vlasech obou postav nesou nezaměnitelný Zoubkův rukopis. Tyto jemně rytmizované linie dodávají reliéfu pohyb, rytmus a sochařskou hloubku. Přestože je kompozice zdánlivě jednoduchá, čím déle se na dílo díváte, tím více emocí odhaluje. Každý divák v něm může číst jiný příběh — první lásku, usmíření, oddanost nebo tiché setkání po dlouhém odloučení.

Olbram Zoubek patří k nejvýznamnějším českým sochařům 20. století. Jeho tvorba je ceněna pro mimořádnou schopnost propojit křehkost lidského těla s duchovní silou a nadčasovostí. Jeho figury působí současně zranitelně i monumentálně, intimně i univerzálně. Právě tato dvojznačnost činí jeho díla tak silnými a sběratelsky vyhledávanými.

Tento exemplář je navíc adjustován ve velmi elegantní plovoucí adjustaci, která mimořádně podtrhuje výtvarnou kvalitu reliéfního tisku. Papír není sevřen tradiční paspartou, ale je ponechán s viditelnými okraji v prostoru, což umožňuje plně vyniknout jeho přirozené struktuře, ručnímu charakteru i plasticitě reliéfu. Bohatý červený podklad vytváří nádherný kontrast k světlému papíru a teplý dřevěný rám dodává celku noblesní, sběratelsky velmi atraktivní výraz. Rozměr rámu činí 57 × 53 cm, samotný reliéfní tisk v plném formátu papíru má 44,5 × 42 cm.

Velký reliéfní tisk Sblížení patří k nejvyhledávanějším intimním motivům Olbrama Zoubka a jen málokteré dílo dokáže vyjádřit lidskou blízkost s takovou jemností a silou. Budeme se těšit na Vaši návštěvu v Galerii TOGA, kde si toto výjimečné dílo můžete prohlédnout naživo.

Melancholický den u norského fjordu

Adolf Born - Melancholický den u norského fjordu

Adolf Born – Melancholický den u norského fjordu

Velkoformátová litografie Melancholický den u norského fjordu od Adolf Born je nádhernou ukázkou autorovy nezaměnitelné imaginace, osobité poetiky a inteligentního humoru. Adolf Born patří k nejvýraznějším osobnostem českého výtvarného umění 20. století a jeho tvorba je ceněna pro schopnost vytvářet světy, v nichž se fantazie, absurdita a jemná ironie propojují v dokonale harmonický celek.

Na první pohled působí dílo klidně, téměř melancholicky. Norský fjord, chladná vodní hladina, vzdálené hory a osamělá postava vytvářejí atmosféru severského ticha a rozjímání. Jak je však u Adolfa Borna typické, tento zdánlivý klid je jen vstupní branou do světa plného překvapivých detailů a rafinovaného humoru.

Čím déle se divák na litografii dívá, tím více drobných vtípků a absurdních momentů objevuje. Vousatý lyžař stojící na břehu s naprostou vážností působí sám o sobě lehce surrealisticky, ale Born jde mnohem dál. Ovce odpočívající na rameni, mrož s parožím vyrůstajícím z hlavy, na němž stojí los, nebo drobné detaily v krajině — to vše autor komponuje s typickou lehkostí a naprostou samozřejmostí. A právě v tom spočívá jeho genialita.

Jedním z nejkrásnějších detailů celého listu jsou bezpochyby samotné lyže. Na první pohled nenápadný motiv se při bližším pohledu promění v další bornovský vtip — elegantní, absurdní a dokonale nenucený. Adolf Born nikdy nepotřeboval prvoplánovou komiku. Jeho humor je inteligentní, jemný a často přichází až s druhým nebo třetím pohledem.

Barevnost litografie je subtilní a dokonale podporuje náladu díla. Tlumené modré, šedozelené a zemité tóny podtrhují severskou atmosféru, zatímco jemná kresba a precizní litografická práce dávají vyniknout každému detailu. Přes množství motivů působí kompozice vyváženě, čistě a mimořádně kultivovaně.

Dílo je provedeno technikou litografie na papíře, vzniklo v roce 2004 a jedná se o velký sběratelsky atraktivní list číslo 55/72. Litografie je ve výborném stavu a je adjustována v elegantním tmavém rámu s paspartou. Celkový rozměr rámu činí 67 × 75 cm, samotný výřez litografie pak 46 × 56 cm, díky čemuž dílo působí na stěně velmi reprezentativně.

Melancholický den u norského fjordu je přesně tím typem díla, které vás nepřestane bavit. Při každém dalším pohledu v něm objevíte nový detail, nový vtip nebo novou drobnost, která vám předtím unikla.

Litografie Melancholický den u norského fjordu je nyní připravena pro svého nového majitele v Galerii TOGA. Budeme se těšit na Vaši návštěvu.

Nezávazná konzultace

Vyplňte formulář a získejte nezávaznou konzultaci

Odesláním formuláře souhlasíte se zásady zpracování osobních údajů.

Během konzultace:

Konzultací vás provede:

Veronika Gajová

Garant vašeho spokojeného nákupu

Máte dotaz? Napište nám.

Vyplňte formulář níže a my se vám ozveme co nejrychleji, většinou už do druhého dne. Těšíme se na vaši zprávu!

Na dotaz vám odpoví:

Veronika Gajová

Garant vašeho spokojeného nákupu

Odesláním formuláře souhlasíte se zásadami zpracování osobních údajů.

Možnosti dopravy:

Každé umělecké dílo je jedinečné a tak by jeho cesta k vám měla být co nejpohodlnější. Ať už je pro vás důležitá rychlost, bezpečnost, nebo osobní přístup, snažíme se vyhovět všem vašim přáním.

Rychle a bezpečně:

Většina našich zásilek putuje jako pojištěné, aby bylo Vaše dílo v bezpečí. Snažíme se odeslat vše do 48 hodin.

Expresní doručení:

Pokud nechcete dlouho čekat, je tu pro vás téměř u všech děl dostupná služba Messenger – dílo je u vás do druhého dne.

Okamžité vyzvednutí:

Pro ty, kteří máte nejvíce naspěch, nabízíme možnost dílo si vyzvednout ihned.

Osobní předání v Praze:

Pokud jste v Praze, rádi vám dílo předáme osobně.

Navigace:
Nejhledanější:
Olbram Zoubek - Josef s ratolestí
Výběr děl podle autora
Díla podle techniky
Olbram Zoubek - Nymfa (Detail)
Aktuální nabídka
Vyhledat dílo
Play Video

Zjistěte vše důležité o galerii za necelou minutu!

Zavolat

Po–Ne: 8.00–22.00